Cara tallada a cincel,
tez morena, negro el pelo,
nacido en el mismo suelo
de nuestro Barrio Gardel.

ANTONIO CAMPOS

Y como el Zorzal, aquel
que le diera al tango vuelo,
lo hizo romántico y reo,
le dio prestigio y cartel.

Estaba predestinado
para que en el tango fuera
figura, entre consagrados;

mas, se quedó en la vereda,
desesperando la espera,
en su barrio gardeliano…

JORGE BOCCANERA

El poeta Jorge Boccanera acaba de alzarse con el Premio de Poesía de Camaiore de Italia, por “Sordomuda”, elegido mejor libro de poesía traducido al italiano, a pocos días de haber sido ser galardonado con el Premio de Poesía Americana por su poemario “Palma Real”, por la Casa de América de España.
“Ya me había dado una alegría grande el hecho de que ‘Sordomuda’ fuera traducido al italiano por un poeta que respeto como Alessio Brandolini. La edición muy cuidada de Lieto Colle y este premio suman a esa satisfacción”, señaló el escritor a Télam.
“Es un libro que ha caminado solo, que a veces está en letargo y a ratos saca la cabeza”, admitió el poeta sobre la obra que se editó por primera vez en Costa Rica en 1990 (Educa), en México en 1992 y “llegó” a la Argentina recién en 1998, con sendas reediciones un año después y en 2005.
“Ahora va salir en sellos de Colombia y Cuba”, adelantó orgulloso el escritor nacido en Bahía Blanca en 1952, exiliado en México durante la última dictadura militar, que también residió en Costa Rica entre 1989 y 1997.
Boccanera es autor de “Los espantapájaros suicidas” (1973), “Contraseña” (1976), “Música de fagot y piernas de Victoria”, (1979), “Poemas del tamaño de una naranja” (1979) y “Los ojos del pájaro quemado” (1980), entre otras obras.
“Me gusta mucho esto de estar en la lengua del Dante; mis abuelos paternos eran italianos, de Recanatti, la tierra de Giácomo Leopardi”, aseguró el también autor de “Polvo para morder” (1986) y “Bestias en un hotel de paso” (2002).
Un jurado integrado por Francesco Belluomini, Alberto Cappi, Aldo Forbici, Elio Pecora, Paolo Ruffilli, Ciro Vitiello y Valentino Zeichen decidió otorgar el galardón internacional, cuya entrega formal tendrá lugar el 6 de septiembre en la ciudad de Camaiore, en la Toscana italiana.
“La poesía como tema de la poesía ha sido frecuente en la lírica, las más de las veces de modo conceptual, en el plano de las ideas. Pero enSordomuda’ hay un personaje central, con una lengua extendida como una pantalla de cine donde se escuchan pasos ‘”, relató Boccanera.
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da sito casamerica – Spagna
Boccanera ganó otro premio de poesía en Italia

El poeta Jorge Boccanera, director de la revista nómada y coordinador de la Cátedra de Poesía Latinoamericana de la UNSAM, acaba de obtener en Italia el XXI Premio Internazionale Literario Camaiore 2008, con su libro Sordomuda.
El jurado de este prestigioso premio de poesía estuvo conformado por Francesco Belluomini (presidente), Alberto Capi, Aldo Forbice, Elio Pecora, Paolo Ruffilli, Ciro Vittiello y Valentino Zeichen, quienes dieron a conocer su fallo el 17 de mayo pasado.
Sordomuda ha sido recientemente editado en Italia por la editorial LietoColle, con prólogo del poeta italiano Alessio Brandolini. Su primera edición fue en 1991 en Costa Rica; en 1992 se publicó en México, y en 1998 en Argentina (reeditado en 1999 y en 2005). Días atrás obtuvo en Madrid, con su libro Palma Real, el Premio de Poesía Casa de América de España.

JORGE BOCCANERA Y SU LIBRO

La selva como mirada de la existencia En la entrevista pública que le hizo su colega Laura Yasan, el poeta explicó que trasladó a la jungla todas sus obsesiones. Además de pájaros y serpientes parlantes, en los versos habitan Frida Kahlo, Rimbaud y Ana Frank. Por Silvina Friera Hay selvas y selvas. La que dibujó a lápiz Jorge Boccanera en su Palma Real despliega su penacho, su cabellera de hilos, su serena ebriedad en 56 poemas. En la corteza de los árboles graba pensamientos; su oficio es recibir eso que vive de anunciarse, ser la rama de aquello que nunca se posa. Los insectos astillan el aire, los amantes dicen adiós; hierven los monos de Frida Kahlo en un árbol. La lluvia taladra el paisaje, pero también con ella irrumpe la palabra que nombra cada cosa. De pronto aparece Jacobo Fijman o Ana Frank, que se columpia en el claro del bosque con su amiga Hanna Goslar. Y hasta Rimbaud, que garrapatea, ensucia cuadernos, mezcla colores para encontrar la sombra de una palabra perfecta. En el bar de la librería Eterna Cadencia no vuela ni una mosca. Apenas se escucha el susurro lejano del acondicionador de aire durante esos segundos que Boccanera se toma para brincar con su voz de un poema a otro. “Es un poeta excepcional, que hace con el lenguaje algo como mágico; tiene una poética muy subyugante, con mucho color, con mucha vibración e intensidad”, lo define su colega Laura Yasan, la encargada de entrevistar a ese poeta que conoció de muy jovencita y que la deslumbró, especialmente, con Polvo para morder. Palma Real (Ediciones Continente), que obtuvo el Premio de Poesía Casa de América de España 2008, es un libro raro para Boccanera, un confeso “bicho de ciudad”. “Pensaba que era un poeta urbano hasta que escribí un libro en que la protagonista es la selva; una selva que se imagina a sí misma, un lugar donde encontré un territorio donde instalar mis obsesiones”, dice el poeta y ensayista. “Así como hablan los reptiles y los pájaros, este libro está atravesado por personajes que cruzan por el bosque, Rimbaud, Ana Frank, Frida Kahlo”, precisa Boccanera antes de leer un poema en el que el protagonista es el poeta Jacobo Fijman, que vivió muchos años en un psiquiátrico, sin que se supiera si estuvo encerrado por la fuerza o no. Una anécdota suscribe la tesis de que fue por voluntad. “Un poeta, (Jorge) Calvetti, lo fue a visitar con la idea de acompañarlo, de hacerle un favor. Fijman pintaba con unas carbonillas rotas en el hospicio. Calvetti llegó un domingo y anunció que había ido a visitarlo. Fijman le dice: “Bueno, charlemos, pero cinco minutos, más no, porque estoy muy ocupado…” “Si hay una marca en lo que hago es la errancia”, subraya Boccanera. “Nací en un puerto, en Ingeniero White, en Bahía Blanca, un lugar de aventura y de paso. El que nació en un puerto tiene el viaje instalado, aunque sea imaginariamente.” A los 20 años, se exilió en Perú. “Pero hubo un golpe de Estado y me fui. En treinta días me había ido de dos países –sintetiza la experiencia–. Esos cambios vertiginosos, cuando tenés 20 años, establecen una marca”, plantea. “Me gusta una palabra de Tununa Mercado, la ‘dislocadura’, que reúne dos cosas: el disloque, el descentramiento, y la rajadura, la grieta, donde uno empieza a ser otro a partir de perder el suelo.” Los nuevos territorios centroamericanos –sobre todo Costa Rica, donde vivió entre 1989 y 1997– lo marcaron definitivamente no sólo por el paisaje, sino por su gente, su música, sus comidas, sus olores, sus sabores, “todo eso en que uno se va entrenando”. Como Boccanera acostumbra trabajar con una unidad temática –la selva en su último libro, la poesía como sordomuda en Sordomuda y el extranjero en Polvo para morder–, Yasan quiere saber si el libro se le impone o si hurga deliberadamente en cada una de esas naturalezas poéticas. “Nunca había pensado cómo era –admite Boccanera–, pero, como dice Gelman, cuando uno piensa, se detiene el proceso. Gelman cuenta la anécdota del ciempiés al que le preguntan cómo hace para caminar. El ciempiés piensa y ya no camina nunca más.” Sin embargo, el poeta medita el asunto y llega a la conclusión de que hay imágenes, ideas y percepciones que se imponen. “Todo ese conjunto da un poema, quizá de dos líneas, muy intenso. Pero a veces da más. Y ahí es cuando uno comienza a entender que no es un poema largo, sino que son distintos momentos de algo que va a ser un conjunto. En la selva puede caber una metafísica, una mirada de la existencia, el amor, lo cotidiano. Lo mismo en Sordomuda, que es una metáfora de lo que posibilita y lo que no posibilita al mismo tiempo la poesía. La poesía funciona como lucha de contrarios: se tensiona con el todo y la nada, con la vida y la muerte juntas.” “¿Te pasó de leer un poema tuyo de muy atrás y que digas: ‘¿Qué dije, qué es esto?’”, pregunta Yasan. Y Boccanera responde: “Creo que uno se reconoce en lo que fue. Hay mucha gente que anula los primeros libros, y creo que está bien. Yo vivo con el que fui, me hago cargo de eso. Me doy cuenta de los errores que tenía, de los desbordes o los límites que uno se impone para no caer en la cursilería. Uno se va modelando a medida que va escribiendo”. “El estar un poco de tránsito por algunos lugares me da otra forma de juntar lo que tengo adentro”, admite el poeta. “El viaje es impresionante porque es azar, es ir hacia lo que uno desconoce, dejarse formar por lo diferente, es curiosidad. El poeta Cardoza y Aragón decía: ‘Navegar me fascina, no la llegada a puerto alguno’.” Boccanera repara en una influencia ‘rarísima’, la historieta: “Me formé leyendo revistas de Oesterheld, cuando Oesterheld tenía la editorial Frontera; con Misterix, Rayo rojo, con unas revistas apaisadas que tenían unos primos míos y que les pedía que me prestaran, o con las revistas que había en la peluquería de mi abuelo. Mi poesía está llena de personajes: el motociclista, la sordomuda, el domador del circo y a veces parece que tuvieran una secuencia como tienen las historietas. Me gusta el aire de aventura. Hay un poema en Sordomuda, que creo que se llama ‘Aventura’, en que están el poeta y la poesía atados espalda con espalda en un campamento lleno de centinelas, que son los que no permiten el movimiento; el movimiento que puede ser del lenguaje, de la vida, de lo que sea. Es una metáfora de lo rígido frente a lo que tiene que moverse”. Sobre el lugar del poeta en la sociedad, no duda en afirmar que no tiene ninguna misión. “El poeta es un tipo que trabaja el lenguaje, una herramienta muy importante, según el compromiso que tenga con ese hacer, la pasión que le ponga, si se le va o no la vida en eso, si considera que es literatura o no. Desde los ’70 venimos hablando de las dicotomías entre la poesía social y la que supuestamente no es social. Esto se zanjó en la obra de poetas muy importantes, como es el caso de José Emilio Pacheco en México o Gelman. Esos poetas tienen una mirada crítica y a la vez en su escritura hay una preocupación formal; son grandes experimentadores también.” Una joven pregunta qué significa llevar a la selva a personajes como Frida Kahlo. “No los llevé, les descubrí la selva que tenía cada uno”, aclara Boccanera. “En el caso de Frida Kahlo, me llamó la atención un cuadro en el que está con unos monitos, al que le han atribuido una significación erótica. Pero se ve atrás una espesura muy verde, y quería instalar lo que es Frida Kahlo, sus vestidos, sus muñecos, esos objetos y esos colores, en medio de la selva.” En el caso de Ana Frank, el poeta recuerda que ella tenía una amiga, que también se llamaba Ana, que creía que Frank había podido salvarse, que había escapado de Holanda cuando llegaron los nazis. Ellas se encontraron en el campo de concentración, donde Frank moriría de tifus. Cuando dejaron de verse en la ciudad, la mamá de la amiga estaba embarazada. “Me puse en el lugar de los personajes y pensé que Ana Frank le dijo a la amiga ‘¿Nació ya tu hermanito?’. Tiene que haber sido lo primero que le preguntó, porque ésa era la novedad entre ellas. En ese lugar de muerte, la pregunta tiene que ver con la vida. Las pongo hamacándose y quiero que le pregunte eso. Son los caprichos del poeta”, reconoce Boccanera. “Creo que eso pasó; me juego a que se encontraron y le preguntó si había nacido el hermanito. Son personajes que uno mete de una manera un poco antojadiza, como es la poesía.”

ENRIQUE MACIEL

Se inició profesionalmente en 1915, tocando en los cafés de la Capital y la periferia del Gran Buenos Aires. En 1921 fue contratado por “R.C.A. Víctor” como guitarrista estable de la compañía grabadora. Luego de desempeñarse junto a Aguilar, como marco musical del dúo Feria-Italo, se unió a Ignacio Corsini, con quien actuó casi interrumpidamente en presentaciones públicas. Fue también junto a Corsini que grabó un disco.
A partir de 1943 se desempeñó como director de una orquesta que se presentó por L.R.2 Radio “Argentina” y en los bailes del “Luna Park”
Guitarra, armonio, piano y bandoneón fueron instrumentos que Enrique Maciel supo Interpretar con singular destreza. Compuso sus obras con autores de la talla de Celedonio Flores, Mario Batistella y Carmelo Volpe, pero tal vez lo más destacable de su producción fue lo que desarrolló junto al historiador, dramaturgo y poeta Héctor Pedro Blomberg. Recordemos “La pulpera de Santa Lucía”, “Patios porteños”, “La que murió en París”, “La tipa”, “Mala entraña”, “Solitaria”, “Madame Julie” y “Aquel cantor de mi pueblo”, éste último con motivo del alejamiento del canto de Ignacio Corsini.
El 24 de enero de 1962, Enrique Maciel fallecía en Buenos Aires.

MALVICINO, HORACIO
“Malveta” es uno de los músicos más completos de la actualidad. Se ha destacado como director, arreglador y compositor en todos los géneros, pero su gran maestría se evidencia como intérprete de la guitarra.
Nació en Entre Ríos, el 20 de octubre de 1929. Su traslado a Buenos Aires significó el comienzo de una larga carrera que, en gran parte, se canalizó formando parte de conjuntos de jazz, entre ellos, el de Eduardo Armani.
Considerado como el número uno entre los ejecutantes de guitarra americana, en 1955 fue convocado por Astor Piazzolla para integrar el “Octeto Buenos Aires”, en el que actuó hasta su disolución. Posteriormente, al viajar Astor a Nueva York, colaboró con la orquesta que Carlos García formó para acompañar a Héctor Pacheco. En una de esas grabaciones, su punteo guitarrístico luce especialmente, nos referimos al tema “Otro amor”
En 1959, cambiando la guitarra eléctrica por la española, integró con Panchito Cao en clarinete y Aldo Nicolini en contrabajo, el conjunto “Los muchachos de antes”
En 1960, volvió a colaborar con Piazzolla, ahora en el quinteto “Nuevo tango”.
Dos años después, dirigió los arreglos musicales de la pieza teatral “Irma, la dulce” y del programa televisivo “El show de Antonio Prieto” con libro y producción de Jorge Conçal-vez y Faruk.
Posteriormente con el seudónimo de “Alain Debray” dirigió una orquesta que intepretaba tangos al estilo europeo.
Horacio volvió con Piazzolla en la década del ochenta, acompañándolo en todas sus giras.
De su obra como compositor, en cuanto a tango, recordamos: “Tangology”, “Querés un vals”, “Guitarrazo” y “Soy mersa…, ¿y qué?”.

MASTRA, ALBERTO
Su verdadero nombre Alberto Mastrascusa. Nació en Montevideo, cerca del Molino Mañé, zona que menciona en su milonga “Así fui yo” y evoca en el tango “Harina amarga”. Se inició como guitarrista, alternando con los payadores orientales y los cantores Pepe, Juan y Pedro Medina, Aníbal Melgarejo, Narciso Mederos y otros.
Mastra – conocido como “Carusito” en ambas orillas del Plata – formó luego un trío que actuó en Buenos Aires y en Montevideo y en el que por primera voz fue su esposa Josefina Barroso. En Buenos Aires el terceto se presentó en Radio El Mundo, imponiendo canciones como “No la quiero más”, “Una canción para mi pueblo”, “Bonjour mamá” y otras.
“Carusito” siendo zurdo, no cambio la posición de las cuerdas como la mayoría de los intérpretes con tal característica: así, descubrió que podía extraer sonidos vedados a los ejecutantes de academia.
Sus tangos difundidos son: “Un tango para Esthercita”, “Aguantate Casimiro” y “Mi viejo el remendón”; pero lo mejor son sus milongas: “El peluquero”, “La fulana”, “Pottrerito”, “Miriñaque”, “El criollito oriental”, “Maldonado” y “Con permiso”.

MORÁN, LEANDRO RUBEN
Nació en la Provincia de San Luis, el 27 de febrero de 1922.
Estudió música y guitarra con el maestro Cirilo Allende. Luego de interpretar distintos géneros dentro de la canción nacional, se dedicó definitivamente al tango, a partir de 1949.
Con su guitarra secundó, entre otras, las voces de Alberto Marino, Francisco Fiorentino, Julio Sosa y Argentino Ledesma.
En 1959 se agregó al conjunto de guitarras de Edmundo Rivero, con quién permaneció más de dos décadas, acompañándolo en giras, teatro, televisión y en la grabación de discos.

NICOLAU, RAFAEL
Alumno de María Luisa Anido, con su pasión por el tango, investiga y presenta desde una óptica técnica académica y su sentir por lo popular la música del tango.
Alternando su labor como solista en recitales de orden clásico, iniciando punteos con las obras de los primitivos compositores argentinos como Esnaola, Alberdi, Hargreaves hasta los tangos de Piazzolla sin olvidar a Greco y De Caro.
Su estilo es de refinados matices, tanto en lo clásico, en lo folclóríco o en lo ciudadano.
Su mundo profesional también dio marco a diversos cantores como Jorge Sobral o cubriendo un atril en grupos reducidos con el trío de Alberto Ginastera.
Sus presentaciones se sucedieron en salones académicos, en “La Casa de Tango” o invitado en recitales que organizó “Gente de Tango”.
Rafael Nicolau incursiona en la composición con temas como “En el Reyno del Pastor”, un preludio ciudadano o su “Suite de Buenos Aires”, una suerte de tango, milonga y candombe.
Junto a la diversa y buena crítica recorta sus “Diploma de Honor de la Asociación Argentina de Música de Cámara” y de la “Comisión Nacional del Día de la Música”.

NÚÑEZ, MARIO
Virtuoso de formación intuitiva y llamativa seguridad. Estilísticamente, responde a la excelente escuela de Roberto Grela.
Nació en Montevideo, en el barrio de Chimborazo. Las primeras nociones las recibió de su padre que, además de trabajar como carrero, se presentaba en los boliches, al modo de los viejos “milongueros” uruguayos.
En 1949, tenía entonces 20 años, vino a Buenos Aires donde, durante ocho temporadas, fue guitarrista de Antonio Tormo, éste, le grabó dos temas: su vals “El caminante” y la milonga “Se reía”. Desde 1960 Mario se dedicó de lleno al tango, tomó entonces un conjunto de guitarras, guitarrón y contrabajo, al que llamó “Cuerdas de Oro” con el que grabó para el sello “Antar Telefunken”. Núñez tocó varias veces con Aníbal Troilo. En 1962 cuando a “Pichuco” se le tributó un monstruoso homenaje en el Palacio Peñarol de Montevideo, el “Gordo” fue acompañado por Mario Núñez en guitarra y Néstor Casco en contrabajo.

PADULA, JOSÉ LUIS
Armonista, pianista, guitarrista, director y compositor, Padula es, tal vez uno de los músicos más completos que dio el tango. Tucumán, su tierra natal, lo vio nacer un 30 de octubre de 1893. A la hora de asistir a la escuela, decidió reemplazar los libros por el pentagrama, así es que desde chico se ganó la vida con lo que era su pasión; la música. Fue el primero en tocar la armónica y la guitarra al mismo tiempo, uniendo para tal fin, el pequeño instrumento a la caja de la guitarra. Esa curiosa combinación le reportó mucho éxito y dinero. A los 17 años viajó por todo el país con su original número, que años después fue continuado por el actor Don Pelele.
Radicado en Rosario, estudió piano con el pianista Salguero. Vuelto a Buenos Aires, con su guitarra y armónica, se presentó en un café de Avellaneda, donde por remuneración, era la que quedaba en el plato que recorría las mesas. Corría el año 1906, cuando Arturo Bernstein, Roberto Firpo, el fueyista Greco y Arturo de Bassi, lo convencieron que continuara sus estudios de piano con el profesor de Ismael Gigena. Luego de varias giras por Rosario y Córdoba, en 1929 dirigió un conjunto folclórico En 1932 integró la orquesta Ponzio-Bazán en el teatro “Nacional”
Las obras que nos dejó Padula son: “Pirincho”, “El chiflado”, “El borracho”, “Paso a la historia”, “De mis pagos”, “Dolce tango”, “La diana”, “El varoncito”, “Qué querés con tu elegancia”, “El Parnaso”, “La precisa”, “Recuerdos de mi padre”, “Memoria” y “Brindemos”, aunque los que perduran hasta hoy son: “Lunes”, “Tucumán” y por supuesto “9 de julio”.
Padula nos dejó el 12 de junio de 1945, en Buenos Aires.

PALERMO, BARTOLOMÉ
Nació en Santa Fe, el 24 de agosto de 1936. Luego de actuar integrando conjuntos vernáculos, se volcó definitivamente al tango.
Actuó en distintos locales nocturnos hasta que, en 1967, formó el “Palermo trío”, con el que realizó numerosos registros discográficos. Se presentó en teatros, radio y televisión y como la mayoría de nuestros guitarristas, fue acompañante del gran Edmundo Rivero.
Como compositor, Palermo puede exhibir: “Ciudad feliz”, “De aquí y de ahora” y “Milonga del nacimiento”.

PARADA, MANUEL
Nació en La Coruña, el 19 e mayo de 1902 y llegó a la Argentina en 1910, año del Centenario y del cometa Halley. Creció en el barrio de Barracas, donde se interesó por los primi-tivos bandoneonistas y guitarristas que actuaban en los cafés de la zona. Comenzó a tocar de oído con una guitarra que le había comprado su padre. Un vecino le dio las primeras lecciones para Manolito progresara. Conoció a grandes músicos de tango como Graciano Leone, Eduardo Arolas, el “Quija” Acevedo y Anselmo Aieta. Con éste último fue con quien debutó como profesional en sótanos donde se bailaba entre hombres. Integró luego un trío con los hermanos Romero, ambos cantores, en los matinés del teatro “Casino”. Al poco tiempo se dedicó a ejecutar trozos de ópera como solista de guitarra, Grabó con el dúo Vega-Díaz en el sello RCA Víctor, con el que realizó giras por el interior del país. Ni este grupo ni el que formó más tarde con Ítalo Goyeneche duró mucho tiempo. Se incorpora al teatro “Cómico”, donde acompaña a Tita Merello en el tango “Ché papusa, oí”. Trabajó como solista para más tarde juntamente con Enrique Delfino, acompañar a Azucena Maizani, Sofía Bozán y a Ada Falcón. Fueron los pioneros al integrar el piano con la guitarra.
En el “Marzotto”, conoció a dos muchachos, con los que debuta en el teatro “Apolo” como trío “Parada-Gómez-Vila” que no eran otros que Alberto Gómez y Augusto Vila. Fue un éxito rotundo en teatros y giras “El desastre sobrevino en la primera grabación – contaba Manuel Parada -Hicimos una prueba, en la que interpretábamos el vals ´Adiós, adiós´ y el tango ´Soy un arlequín´ Ni creíamos que saldríamos a la venta.(…) La cuestión es que el disco salió. Cuando lo vi impreso, en la etiqueta leí ´Gómez-Vila´ (…) Todos se desentendieron. Entonces decidí separarme”
Luego de formar un cuarteto donde intervenían Ramis, Mario y Parisi, a partir de 1930, prácticamente se retiró la actividad, para dedicarse a la docencia.

PARDO, MARIO
Figura señera de la música argentina. A partir de 1920, su nombre fue distinguido por los más importantes cultores de la cultura nacional y popular.
Fue intérprete de música clásica, al mismo tiempo que director de diversos conjuntos, junto a la cancionista Celia Louzan. En 1962, ya entrado en años, se presentó en Canal 13, con sus elencos de música campera.
Mario Pardo es conocido gracias al éxito de una obra de su autoría: “La tropilla”. También es responsable de la letra de dos tangos fundamentales “La maleva” y “Lorenzo”.

PEDRETTI, ROBERTO
Dúctil guitarrista, especializado en el acompañamiento de cantantes, nació en Buenos Aires el 25 de abril de 1905. Comenzó a actuar como pianista, en 1925. Luego abandonó “el dientudo” y le metió duro y parejo a la viola, formando un dúo -que actuó durante muchísimos años- con Humberto Canataro. Era, prácticamente el marco obligado para los cantantes que actuaban en las emisoras “Del Pueblo”,”Porteña” y mucha otras de entonces.
Pedretti compuso los tangos: “Irma”, “Sigue” y “Perdón”. Falleció el 14 de septiembre de 1952.

PERALTA, CARLOS
Nació en Rosario, provincia de Santa Fe, el 4 de noviembre de 1926
Sus primeras lecciones de música las recibió con el maestro Mario Orallano.
Comenzó a actuar en LT2, como guitarrista suplente de los hermanos Julián. Cuando éstos fueron llamados a Buenos Aires para secundar la labor de Héctor Palacios, Peralta quedó efectivo en la emisora.
En 1970 decidió viajar a Buenos Aires donde, con la ayuda de Roberto Grela y Ángel “Cholo” Peco consiguió su primer trabajo, con Roberto Grela en el conjunto que daba marco musical a Miguel Montero. Con el “Negro de Oro” estuvo durante varios años, realizando giras, actuando en televisión y grabando discos.. El cuarteto lo integraban Roberto Grela, Domingo Laine, Ernesto Báez y Carlos Peralta.
Después de grabar siete discos con Jorge Vidal, fue requerido por Jorge Sobral, para actuar como único acompañante. Con este cantor recorrió todo el país y viajó a Brasil, en 1976.
Actuó como solista en “La Gardeliana” de Bogotá en la república de Colombia, con resonante éxito.
En 1982 formó dúo con el guitarrista sanjuanino, Ernesto Villavicencio, presentándose en el local nocturno llamado “Casa Rosada”; el dúo se denomina, “Dos guitarras Argentinas”, recorriendo el país permanentemente y llegando a los Estados Unidos de América, donde es disputado por dos tangueros locales nocturnos:”El viejo almacén de Nueva York” y el “Esmeralda Night Club”.
Carlos Peralta compuso “El tango es un gorrión”, “Ordenando fracasos”, “Un milagro, nada más” y Nostalgia de paredón”.

PÉREZ, CIRO
Este guitarrista uruguayo nació con alma de músico y cantor el 9 de diciembre de 1944, como Ciro Leonel Pérez Avero.
De niño, en la escuela primaria, inició estudios de bandoneón, pero siguió con la guitarra alternando luego lo criollo con el tango.
Formó en 1961 un dúo logrando un premio de un concurso por Canal 4 de Montevideo.
Formó luego el cuarteto “Los trovadores del Río” y recorrió los locales nocturnos de la capital uruguaya.
Dejó el canto y se dedicó solo a la guitarra, uniéndose, en Buenos Aires, al conjunto de Roberto Grela, con la que inició un largo período tanto el “El viejo almacén”, acompañando a Edmundo Rivero y otros cantantes, que se prolongaron en recitales, televisión y grabaciones
Sus estudios de armonía con Gualberto López y Nelson Olivera enriquecen su natural concepto armónico en la interpretación de los géneros nativos del Río de la Plata.
Cuenta en su historia sintética sus tareas acompañando a Alfredo Zitarrosa y la integración como guitarrista y voz en la agrupación “Horacio Ferrer y sus amigos” con recitales en la Argentina y Uruguay, televisión y un LP.
Radicado desde los años ochenta en París cumple giras europeas, coincidiendo en 1990 con el bandoneonista Osvaldo Montes, grabaron en Alemania en compactos, casetes y discos en dúo de bandoneón y guitarra, en donde Ciro Pérez luce su ductilidad en la cuerda con influencia “greliana”.
Es compositor de “Vida y vidalita”, un milongón; “Romance de la casita demolida”, un choro y “Navidad en el Abasto”, milonga porteña.

PESOA, ROSENDO
Nacido en Buenos Aires el 30 de agosto de 1896, empezó a “guitarrear” desde pequeño para sumarse, ya adolescente a la juventud que trataba de jerarquizar el uso de la viola en los conjuntos de tango.
Posteriormente, junto a Pagés y el negro Maciel integró el trío de guitarras que secundó a Ignacio Corsini, durante más de veinte años de resonantes éxitos.
Rosendo Pesoa falleció en Buenos Aires el 26 de abril de 1961.

POLONIO, FRANCISCO
Nació en Buenos Aires el 4 de enero de 1887. Fue uno de los tantos guitarristas que surgió a principios de siglo.”Tocador” de oído, sus primeros pasos dentro del profesionalismo los hizo formando parte de tríos y cuartetos de tango. Más adelante, puliendo su estilo llegó a ser acompañante de Ignacio Corsini y Rosita Quiroga, entre otros.
La composición más divulgada fue “Uruguaya”, vals con letra Juan Velich, que años más tarde fue grabado por Troilo con Fiorentino y Marino en las voces.
Francisco Polonio, dejó de existir el 16 de octubre de 1940.

PUCCIO, MIGUEL ÁNGEL
Nació el 11 de junio de 1910. Desde adolescente estudió guitarra. Fue, junto con su hermano, acompañante de Hugo del Carril. Luego de abandonar la música se desempeñó como jefe de producción en las películas dirigidas por el famosos actor y cantante.
Miguel Ángel Puccio fue compositor de los tangos “Quién soy” y “Una tarde cualquiera”.

PUCCIO, ROBERTO
Nació el 1º de junio de 1908. 1924 fue el año de su debut como guitarrista, junto a su hermano Miguel Ángel, para acompañar cantores y cancionistas en teatros, emisoras radiales y giras, además de discos.
Entre los tangos que compuso, podemos señalar “Pilatos, Pilatos”, “La cincuentenaria del arrabal” y “Una tarde cualquiera”.
Falleció el 30 de marzo de 1959.

RÍOS, LUCIANO
Este destacado guitarrista, además de avezado pianista, perteneció a las primeras generaciones que llevaron la guitarra a integrar las agrupaciones de tango, al igual que Gabino Navas Eusebio Aspiazu y el “pardo” Canavari, entre otros. Nació en Buenos Aires el 24 de mayo de 1884. Desde muy joven se presentaba en fiestas barriales, llamando la atención por sus bordoneos y su natural sentido rítmico del tango.
Allá por 1912, Juan Maglio “Pacho”, lo llamó para formar un trío junto a su fueye y el violín de Julián Urdapilleta, para actuar en mitológico café “La Paloma” ubicado en la calle Santa Fe, próximo al arroyo Maldonado (hoy Av. Juan B.Justo). Con “Pacho” grabó para “Columbia” desde 1912 hasta 1915, luego integró un trío con el “vasco” Urdapilleta y el flautista Pepe Guerreiro, para actuar en un recreo bailable cercano al velódromo. Volvió nuevamente al cuarteto de Juan Maglio, de quien fue amigo y colaborador durante más de treinta años.
En algún momento de su actuación formó parte del conjunto de Domingo Santa Cruz. Con el advenimiento de las orquestas típicas, las guitarras fueron reemplazadas por el piano. Entonces Luciano Ríos, ni corto ni perezoso, se enroló en conjuntos típicos como pianista. Más tarde abandonó las presentaciones personales para dedicarse a la enseñanza de la música.

RIVERO, GREGORIO
Guitarrista de color nacido en 1899, se inicia en la década del veinte, colaborando en palcos de barrio y en las primitivas emisoras porteñas. Compuso el tango “Disfrazate vos también”. Falleció el 17 de agosto de 1949.

RIVERO, JUAN IGNACIO
Guitarrista muy intuitivo, debuta en LT3 de Rosario acompañando al dúo local “Tejedor-Forcat”. Posteriormente viajó a Tucumán donde se presentó como ejecutante estable en LV7 y LV12.
En el año 1941, ya en Buenos Aires, actuó como acompañante de las hermanas Ortiz por radio “El Mundo”.
Este hábil músico integró muchos grupos de acompañamientos, entre los que podemos destacar: “Los troperos de Pampa de Achala” de Dardo Félix Palorma. También secundó a Margarita Palacios, Azucena Maizani, Edmundo Rivero, Nelly Omar, Hugo del Carril, A-gustín Irusta (que fue padrino de su casamiento) y muchos más.
Formó también el “Trío Armonía” junto a las voces de Dina Fernández y Lalo Antón, con el que grabó temas melódicos para el sello “Víctor”
Sus composiciones más difundidas son el vals “Mentira”, con el que obtuvo el Disco de Oro gracias a la grabación del conjunto ecuatoriano “Latinos del Andes”; “bella y nada más”; el bolero “Aquella Noche” y el tango “El diez del mundo dedicado al genial Diego Armando Maradona, en 1982
Actualmente con sus colegas Laine, Robledo y Marano integra el acompañamiento de Nelly Omar.

ROBLEDO, RUBÉN
Nació en San Cristóbal, provincia Santa Fe, el 1º de junio de 1929. Los conocimientos musicales los adquirió a través de las enseñanzas de los maestros Vicente Caliendo y Mauri-cio Chulman
Ya radicado en Buenos Aires, en 1946, inició su labor profesional como acompañante de Héctor Mauré. en la confitería “La cumbre”, ubicada en Santa Fe y Thames.
Actuó luego en el “Tango Bar” con José Berón, en el “Café Tarzán” con Roberto Quiroga
y luego, durante diez años, en la célebre confitería “La Querencia”, en la Avenida de Mayo e integrando el conjunto de guitarras de Alberto Ortiz.
Allí secundó la tarea de cantores como Aldo Calderón, Agustín Irusta, Rogelio Araya, Edmundo Rivero, Julio Sosa y las cancionistas Julia Vidal , Chola Luna, Carmen Duval y Blanca Mooney entre otras.
Robledo intervino en varias grabaciones acompañando a figuras como Rogelio Araya, Enzo Valentino, Carlos Acuña, Raúl Berón, Héctor Mauré, Paloma Valdez y otros.
En televisión. Actuó acompañando a Alberto Marino, Gloria Díaz, Ángel Cárdenas y la excelente cancionista Nelly Omar.

ROBLES, MARSILIO
Ejecutante de importante y larga trayectoria, se destacó en el acompañamiento de cantores y cancionistas, tarea que desarrolló durante mucho tiempo en radio “El Mundo”.
Nació en Buenos Aires, el 30 de septiembre de 1913. También sobresalió como autor de letras: importantes tangos dan testimonio de ello: “Ronda azul”, “Laburante”, “Terrenal”, “Qué risa”, “Carmín” y “Así es Ninón”,
Compuso además la canción “Mi toledana” que se convirtió en un notable éxito en la voz de Gregorio Barrios. En 1965 con Julio Ahumada en bandoneón, Eugenio Pro, en contrabajo y Juan Mehaudy en guitarra eléctrica, integró la agrupación “Los 4 para el tango”, que registró varios temas para el sello “Espacial”.

RUIZ, LEOPOLDO
Legendario guitarrista tanguero actuó en muchos lugares de los suburbios de Buenos Aires, también en los mentados prostíbulos de la localidad de San Pedro.
Integró los conjuntos de Vicent Greco, Prudencio Aragón y Ernesto “El rengo” Zambonini.

RUIZ, RUBÉN OSVALDO
Nació en Añatuya, provincia de Santiago del Estero recibiendo la raíz de una familia de músicos populares. Guitarrista, cantor, arreglador y compositor.
De niño ganó un concurso de cantores recibiendo como uno de los más interesantes ejecutantes de su generación cuando se radicó en Buenos Aires.
Enrolado en el tango moderno compartió atriles con el trío del pianista Osvaldo Manzi, actuando en recitales, televisión y la grabación de un LP histórico, también con los quintetos de Alberto Caracciolo, Hugo Baralis, Dino Saluzzi y la orquesta de Atilio Stampone, con éste en recitales , Caño 14, grabaciones y giras al exterior.
Pasó por la agrupación de Néstor Marconi, sin olvidar sus iniciales pasos con José Tinelli y en su provincia con diversos grupos de jazz, que unido a sus raíces folclóricas le dieron la base para alternar acompañamientos múltiples como Yuyú da Silva, Gina María Hidalgo, Cholo Aguirre, César Isella, Osvaldo Rosslier. Con sus hermanos Iber, en bandoneón y Walter en contrabajo y Rubén “Choco” Ruiz, en guitarra eléctrica, formaron un trío de corrientes renovadoras entre 1967 y 1980.

SALERNO, DOMINGO
Fue uno de los guitarristas de más intensa y prolongada actuación en las dos primeras décadas del siglo (20). Comenzó su labor en el año 1907 tocando en los famosos prostíbulos de San Pedro, integrando un trío con Francisco Canaro en violín y “El Cuervo” en flauta. Más tarde, ya en 1912 se presentó con Canaro y Augusto Berto en café “Venturita”, de Triunvirato y Serrano, luego con el agregado de flauta de José Dionisio Fuster, actuó en “el café de los loros”, lugar que tenía ese nombre debido a que se reunían los guardas y conductores de los tranvías Lacroze, cuyos uniformes eran de color verde. Integró el quinteto “Augusto”, que dirigía Berto, llegando a grabar en discos “Atlanta. En 1917 formó trío con José Servidio y Rafael Iriarte, en fueye y guitarra respectivamente.
En 1920 fue fundador de la Asociación Argentina de Autores y Compositores de Música. Entre las obras que compuso se recuerdan “Vadar Kablar”, “Vuelo Nocturno”, “Siempre firme” y “Marianito” que fue grabado por la orquesta de Carlos Di Sarli.

SANTA CRUZ, JUAN
Hijo de quien animaba con un precario bandoneón a los soldados argentinos durante la guerra de la Triple Alianza, José Santa Cruz, Juan se crió en una célebre familia tanguera. Se decía que el padre de Juan fue el que introdujo el bandoneón en los cafetines de Buenos Aires. También su hermano Domingo fue cultor de este instrumento, a tal punto que se llegó a considerar como principal responsable de la imposición definitiva del bandoneón como voz cantante del tango.
Había nacido en Buenos Aires el 5 de mayo de 1885. Integró como guitarrista el cuarteto de su hermano mayor por muchos años. Al comenzar las transmisiones de radio, en el año 1925, Juan actuó como solista de guitarra y piano en las audiciones de “Federal Broadcasting”. Era la época en la que los aparatos de radio funcionaban a galena.
Cumplido ya el ciclo de sus actuaciones en público, decidió dedicarse a la enseñanza de la música.
Entre los tangos que compuso, podemos destacar:”Brasitas” y “Memorias a Taborda (El Mono)”, con letra de Homero Manzi.

SPINA, VICENTE
Desde la década del veinte, Vicente es un intérprete de inmensa actuación, en 1925 forma parte del dúo Spina-Araujo, en 1931 integra la orquesta nativa de Rafael Rossi, siendo sus compañeros Vardaro, Baralis, Gómez, Galarza y la cancionista Velich. Luego volvió al tango, acompañando juntamente con el guitarrista Menéndez, la actuación de Ciriaco Ortiz en público, radio y grabaciones.
“Serpentina doble”, “Jamás en la vida”, “Loco turbión” y “Me quedé mirándola”, junto con el famoso vals “Tu olvido” fue el legado que Vicente Spina nos dejó al fallecer el 11 de septiembre de 1959.

THOMPSON, LEOPOLDO
A pesar de ser un gran contrabajista, sus comienzos fueron con la guitarra.
Comenzó junto a Arolas en “La buseca”, almacén de Montes de Oca y Saavedra.
Más tarde el dúo se trasladó al café “La turca” en Necochea y Pinzón.
Junto a Carlos Macchi en flauta, José Bonano en violín y Manuel Firpo en bandoneón, integró el Cuarteto Típico Criollo “La Armonía”.
En 1916 cambió la viola por el contrabajo para ingresar a la orquesta de Canaro-Martínez, con este instrumento Thompson inventó recursos y efectos que hicieron escuela: el empleo de la caja del bajo como fuente de percusión y de los “Canyengues” combinación de golpes a contratiempo en la caja y el encordado.
Leopoldo Thompson falleció el 21 de agosto de 1925, cuando estaba en lo mejor de su actividad. Nos dejó los tangos “El consultorio”, “Tren de farra” y “Pierna e´palo”.

TIRAO, CACHO
Este eximio guitarrista nació en Berazategui, provincia de Buenos Aires, el 5 de abril de 1941. Recibió las primeras nociones de guitarra por parte de su padre, hasta que se decidió a ofrecer recitales. También estudió clarinete y saxofón, instrumentos que algunas veces ejecuta en sus conciertos. En 1960, integró el conjunto de acompañamiento de “Los Cinco Latinos” con el que participó en una gira por Centro América y Europa. Colaboró también en las grabaciones de bandas de sonido para cine y televisión e integró agrupaciones como la de Rodolfo Mederos y Dino Saluzzi
Ya dedicado también al tango, se lo consideró como uno de los buenos guitarristas del género, ya sea ejecutando guitarra acústica o eléctrica.
Son únicos sus sentidos del ritmo, la calidad del sonido y su sensibilidad para acentuar y para frasear. Por ello, no fue de extrañar que Piazzolla lo convocara en 1968, para integrar la orquesta de once instrumentos que estrenó “María de Buenos Aires” de Astor y Horacio Ferrer, en la sala “Planeta”.
En 1969, actuó con Piazzolla en “Michángelo” y en el teatro “Regina”.
Más tarde continuó actuando como solista y algunas veces presentándose con el baterista Jorge Padín. Sus ejecuciones más destacadas como solista son las de los tangos:”Los mareados”, “Sur”, “La casita de mis viejos”, “A fuego lento”, “Adiós, Nonino”, “Nunca tuvo novio”, “La bordona” y “Triunfal”; las milongas “Corralera”, “Taquito militar”, “Milonga de mis amores” y los valses “Pedacito de cielo”, “Nube gris” y “Tu olvido”
También tiene entre la música internacional, una lograda versión de “Zorba el griego”.

URIARTE, MIGUEL
Fue un verdadero autodidacta, que nació en Buenos Aires, el 22 de abril de 1909. Comenzó tocando la guitarra en biógrafos de barrio, en el tiempo de las películas mudas, para acompañar luego a diversos cantores en teatros y primitivas radios. Secundó a Carlos Roldán, Emilio Criserá, Raúl Romero y el eterno Roberto Maida. Como compositor le debemos los tangos “Ceniza de carnaval” y “Novia de una vez”.

ZALDÍVAR , EDMUNDO PORTEÑO (h.)
El 9 de octubre de 1917, el barrio de Palermo lo vio nacer a este guitarrista de familia de músicos.
Debutó a los siete años, acompañando a su padre en audiciones de LR.10 radio “Cultura”,
A partir de ese momento fue un prolífico guitarrista criollo. Solía decir: “Excepción hecha de Carlos Gardel, creo haber colaborado con todos los cantores y todas las cancionistas”. Recorrió treinta países, a lo largo de toda su carrera, sin descuidar la responsabilidad como ejecutivo estable de la programación de radio “El Mundo”. En 1938 integró por poco tiempo la orquesta típica “Los indios” bajo la dirección de Ricardo Tanturi. En ese mismo año tomó cursos de piano y se perfeccionó, de la mano de un especialista: Pedro Rubione, en teoría y armonía. En 1940 compuso la zamba “Nunca, nunca”, una especie de anticipo musical de lo que más tarde sería una de las obras de mayor difusión en todo el mundo: el carnavalito “El Humahuaqueño”. La empresa de discos “Pampa” fue quien contuvo esa famosa creación y otras canciones de su autoría. Para ello formó un conjunto de oboe, fagot y vibráfono. En 1954 junto a Kicho Díaz, conformó el cuarteto “Troilo-Grela”, con el que ac-tuó y grabó discos “T:K:” hasta en año 1956.
Con Ciriaco Ortiz fue compañero en el local tanguero “El viejo almacén” de San Telmo; el dueto de guitarra y bandoneón actuaba allá por 1969.
“Vieja casa” es el vals que se destaca en el extenso repertorio de este porteñísimo” Edmundo Porteño Zaldivar, para los amigos… Cacho.

Bibliografía consultada: 1880 -Un Siglo de historia -1990,  Bs.As.,  Editorial Perfil.
Los Grandes del Tango,  Bs.As.,  Editorial Tango SRL

AGUILAR, FROILÁN
Froilán, hermano del “Indio” José María, nació en Montevideo en 1896.
En sus comienzos se desempeñó como acompañante del dúo Rosita Quiroga-Rosita Del Carril en el teatro “Empire”
Luego secundó a Ignacio Corsini y, solo par grabaciones, acompañó al grupo de Carlos Gardel.
Cuando regresó a Montevideo tomó cursos de perfeccionamiento de guitarra con el maestro Calatayud y de piano con Rogelio Mastrángelo.
En el año 1943 se presentó como solista en conciertos. Colaboró posteriormente con los espectáculos de la Comedia Nacional en el teatro Solís.
Froilán compuso obras de distintos géneros, pero es quizás la más destacada “Murmullos” el tango con versos de Juan Carlos Patrón.

ALEMÁN, OSCAR

OSCAR ALEMÁN

Aunque muy conocido por trayectoria como hombre de jazz, Oscar Alemán fue de los guitarristas que, desde 1925, tuvieron como inquietud lograr con el instrumento una nueva dimensión estética con relación al tango. En 1929 formó el trío “Les Loups” -solamente para grabaciones- y también conocido como “Trío Víctor”, junto a Elvino Vardaro en violín y Gastón Lobo, como segundo guitarrista. En esa pequeña agrupación, Oscar destacó sus solos, luciendo abiertamente. Aun perduran aquellas inolvidables grabaciones de los tangos: “Recóndita”, “El presumido” y “Página gris”. Posteriormente, se orientó hacia otros ritmos. Fue acompañante de la célebre Josephine Baker y luego formó su propio conjunto, al estilo del “Quinteto del Hot Club de Francia”, que dirigía el notable Django Reinhardt. La formación de Oscar Alemán obtuvo un verdadero suceso, tanto en locales nocturnos, confiterías, bailes de carnaval, actuando en radio y televisión, como interviniendo en películas y grabando decenas de discos. Su tango más conocido es “Guitarra que llora” que grabó en 1928 con guitarras hawaianas (En 1943 se lo llevó al disco Angel D´Agostino con la voz de Ángel Vargas). Con gran sentido del humor, compuso un gato titulado “El perro”. Formó un dúo con el violín del chileno Hernán Oliva, con el que grabaron grabaciones que son inolvidables.

ARIAS, ANÍBAL
Nació en Buenos Aires el 20 de julio de 1922. Estudió con el maestro Pedro Ramírez Sánchez.
A los veinte años fue el acompañante de Jorge Casal, Oscar Alonso, Virginia Vera, Héctor Mauré, Rogelio Araya, Aída Denis, Olga Cabrera, Edmundo Rivero, entre otros.
Realizó varias giras por el interior y el exterior, secundó al actor Ricardo Pimentel en espectáculos humorísticos, tomó parte en números conjuntos de tango de formación reducida y en la agrupación de Waldo Belloso.
Compuso e interpretó música griega para el “Ballet Griego Lambrinis” que se presentó en el teatro “Cervantes”.
Además de la guitarra, ejecutó con habilidad el piano y el contrabajo. Más tarde, ya en el año 1970, integró el cuarteto de Aníbal Troilo (bandoneón) y José Colángelo en piano; se presentaron en el “Viejo Almacén”, en “Caño 14 y en televisión con la orquesta.
Formó dúo con Osvaldo Montes para amenizar las comidas del restaurante “Pichuco”.
N.B.: Puede consultarse también el artículo de Carlos A. Manus sobre Aníbal Arias

ARBELO, HÉCTOR ALBERTO
Nació el 11 de septiembre de 1921.Cuando tenía 13 años formó parte del coro que cantó “Silencio”, al recibir Buenos Aires los restos de Carlos Gardel. Fue alumno de la PAADI (Primera Academia Argentina de Interpretación), de Luis Rubinstein. Tenía de compañeros a Aída Luz y a quien después se llamaría Héctor Mauré. Y el portero de ese edificio era Fidel Pintos. Con el tiempo, concentrado en la guitarra, Arbelo acompañó, desde sus tiempos de músico estable de Radio del Pueblo en adelante, a una selección de tangueros cuya enumeración cuesta completar: Acompañó a Julio Sosa, en el programa “Yo te canto Buenos Aires” y en doce grabaciones de música criolla. Secundó a Roberto Goyeneche, Alberto Morán, Ángel Vargas, Roberto Rufino, Tito Reyes, Floreal Ruiz -su favorito-, Rubén Juárez, Eladia Blázquez y muchísimos más; además grabó con Jorge Porcel y con Marilina Ross
Como compositor, produjo obras como “Cuándo has de volver “, “En esta esquina”, “Mis noches bohemias”, “No creo en el amor”, “Para ti, árbol”, “Para ti, Mabel”, “Tal vez no volverás” y “Tenía razón Discepolín”.
Falleció en Buenos Aires, el 17 de noviembre de 2003.

ASPIAZU, EUSEBIO
Músico intuitivo, figuró entre los intérpretes de raigambre milonguera que se sumaron a los arcaicos tríos de fines de siglo (19). El “ciego” Aspiazu fue puntal en “El Tambito”, donde se presentó por largos años, luciéndose con su guitarra de once cuerdas, junto al violinista Ernesto Ponzio y el flautista Vicente Pací. También con Ponzio y la flauta de Félix Riglos, tocó en “La Fazenda”, recreo de Bajo Belgrano frecuentado por gente del ambiente “burrero”. Luego de su retiro, en 1932, fue convocado por Ponzio y Bazán para integrar una orquesta evocativa que éstos formaron para intervenir en la obra teatral “El tango porteño” que Pascual Carcavallo produjo para el “Nacional”.

AVENA, OSVALDO
Nació en el barrio de Palermo, el 12 de agosto de 1921. Este porteño se inició en la guitarra a los catorce años y como profesional a los dieciséis acompañando al cantor Vicente Tito Falivene, más conocido como Héctor Mauré.
Cultivó el repertorio con los “Hermanos López” y más tarde fue uno de los “chinacos” que acompañó a Maruja Soler, “La Mejicanita”. También hizo música melódica con el “Trío Argentino”, jazz con Tony Salvador y Enrique Villegas “Villeguita”, Le debemos a Osvaldo Avena: “Responso para un hombre gris”, “Un mundo nuevo”, “Un lobo más”,”Buenos Aires, vos y yo” y las milongas:”Para cantarle a mi gente”, “Con una milonga de éstas”, “Milonga para el domingo” y “Milonga del casamiento”.
Todos sus temas llevan letra del poeta Héctor Negro. A partir de 1964 integró el grupo de “La nueva canción” con los cantores Carlos Barral y Enrique Alippi y Reynado Martín con el que ofreció recitales en diferentes teatros y clubes de Buenos Aires y zonas aledañas.

BÁEZ, ERNESTO
Ejecutante de guitarra y guitarrón, pertenece a la generación del ´40 y durante muchos años alternó con el acompañamiento de cantores y de cancionistas.
Integró, desde su formación, el cuarteto de Roberto Grela.
Posteriormente, sucediendo en la tarea a Héctor Ayala, actuó como intérprete de guitarrón en el cuarteto de “Aníbal Troilo-Roberto Grela”.
Igual tarea desempeñó en el cuarteto “San Telmo” en ambos conjuntos con rango de solista destacado.
En 1961 fundó el conjunto” “Los tres de Buenos Aires”

BARBIERI, MÁXIMO
El 18 de noviembre de 1914, nacía Máximo, quien ya desde la adolescencia comenzaba a destacarse tocando la guitarra de oído. Debutó profesionalmente acompañando a cantores y cancionistas en diversa emisoras radiales. En la audición “Papel picado”, bajo la dirección de Silvio Spaventa y secundando al malogrado cantor Enrique Carbel.
En 1940 radio Belgrano lo tuvo como ejecutante estable; en 1943 tocó en la orquesta característica de Feliciano Brunelli. Hasta 1949. Barbieri logró permanecer en la emisora de mayor jerarquía de ese tiempo, radio El Mundo, durante nueve años.
Fue acompañante de Agustín Irusta, Néstor Feria, Alberto Marino, Horacio Deval, Gerardo Manzini, Edmundo Rivero y muchos más. En 1958 intervino en el programa de televisión “Esquina Tango” de Abel Santa Cruz, que se emitía por el Canal 7, integrando el cuarteto de Carlos Figari con la voz de Enrique Dumas. Para esta ocasión compuso el tango “Y para qué”, con versos de los hermanos Luis y José María Tasca.
También son de su autoría: “Cielo triste”, “Caballo de noria”, “Barriada de mis amores” y la milonga “De vuelta y media”.
En 1967 grabó cuatro temas para el sello “Microfón” con los guitarristas Laine, Casao y Perci.

BERNSTEIN, LUIS
Guitarrista de la primera época del tango, Luis Bernstein fue uno de los contrabajistas de más larga actuación en las orquestas típicas.
Exquisito y hábil compositor, creador de “Don Goyo”, “El vasquito”, “Mar del Plata”, “Ojos maulas”, “En la loma”, “El abrojito”, “Indio”, “Muchacho loco” y muchos más.
Su deceso se produjo el 2 de enero de 1966.

BERÓN, ADOLFO
De familia de artistas Adolfo fue el hermano mayor de las cancionistas Elba y Rosita y de los cantores Raúl y José.
Nació en Zárate en la provincia de Buenos Aires, el 21 de diciembre de 1915.
Comenzó tocando la guitarra para animar los bailes familiares; heredero musical de su padre Manuel Berón, tanto él como sus hermanos tuvieron un buen espejo en el cual reflejarse.
En 1936 acompañó presentaciones artísticas con sus hermanos en forma profesional por radio Belgrano.
Más adelante integró un dúo con el cantor Oscar Ferrari, pero fue al frente de un conjunto formado por otras tres guitarras y un contrabajo, con el que alcanzó gran popularidad en la década del cincuenta.
Adolfo Berón gustó por “cantar” la melodía del tango, sin rebusques ni resonancias.
Su forma de tocar fue siempre agradable al oído, llegó al alma del pueblo.
Por algo a Adolfo Berón se lo llamó “la guitarra del tango”

CALDARELLA, JUAN
Nació en Italia en el año 1891 este pintoresco personaje del ambiente musical porteño. Caldarella, ya radicado en Buenos Aires se presentó en 1924 como acompañante de vocalistas. Más tarde ingresó a “Chispazos de tradición”, como guitarrista y actor. También supo dirigir un conjunto característico, con el acordeonista Massobrio.
En 1957 integró con el baterista Sormani, el violinista Hernán Oliva y el cantor Héctor Juncal, entre otros, un conjunto humorístico creado por el dibujante y autor Landrú, llamado “Los Tururú Serenaders”. Caldarella era el ejecutante del serrucho con arco de violín.
Junto a los hermanos Scarpino compuso dos tangos muy populares: “Seguime si podés” y “Canaro en París”

CAMARANO, JOSÉ
En la prehistoria tanguera, se lo conoció como “El Tuerto”. Este guitarrero compartió su época en torno al Centenario, junto a Luciano Ríos, Leopoldo Thompson, Domingo Greco, Domingo Pizarro, Rafael Iriarte, Domingo Salerno y otros, también guitarrista de muchos tercetos y cuartetos.
Su actuación más prolongada la realizó junto al bandoneonista Genaro Spósito y al violín de Agustín Bardi, antes que este notable compositor se dedicara al piano. El trío animaba veladas y fiestas en los barrios.

CANATARO, HUMBERTO
Humberto Canataro nació el 7 de septiembre de 1905. Antes de ser atraído para dedicarse definitivamente al tango, se desempeñaba en forma profesional actuando en teatros como concertista de guitarra. Casi toda su carrera la hizo junto a Roberto Pedretti, para secundar voces que actuaban por radio.
Integró un cuarteto con Arcieri, Aquilini y Sureda.

CANET, JOSÉ
Otro guitarrista de larga actuación en nuestra música popular. Comenzó muy joven, en 1933, acompañando al cantor Santiago Devin, giras, presentaciones en teatros y actuaciones radiales. Luego perteneció al elenco de guitarristas estables de radio Stentor hasta que, prácticamente se convirtió en el acompañante exclusivo de Alberto Gómez, actuó con el cantor durante 30 años, incluyendo el exitoso ciclo radial “El Patio de Alberto Gómez”, que se emitía por radio Belgrano. Alberto Gómez estrenó la mayoría de las obras musicales de Canet, quien era también autor de las letras de las mismas. Las principales fueron: “Tarde”, “La abandoné y no sabía”, “Hoy al recordarla”, “Los cosos de al lao” (con música del violinista Marcos Larrosa), “A duras penas”, “Perdón”, “Negra mía”, “Este corazón”, “De 6 a 7″, “Me besó y se fue”, “Sueño de Pierrot”, “Lucía de la ribera”, “Che, Carola” y “Serpentina de esperanza”.
En 1956, con el cantor Héctor Alvarado, formó el “Quinteto Garufa”. Luego, formó un cuarteto de guitarras para acompañar a Nelly Omar, con la que grabó discos, se presentó en radio y televisión y realizó distintas giras. Durante la década del setenta, exclusivamente para grabar y acompañar a Nelly Omar.

CARLEVARO, AGUSTÍN
De este gran guitarrista dice Horacio Ferrer: “El más exquisito intérprete de tangos en solo de guitarra, en un estilo de inconfundibles características musicales. Marcadamente influido por la personalidad de Carlos Gardel, amalgamó esta gravitación con los revolucionarios conceptos armónicos, rítmicos y contrapuntísticos aportados por Astor Piazzolla. Ejecutante de sólida formación guitarrística, sus versiones se individualizan nítidamente por un emotivo contenido romántico expresado en su manera de dividir y de acentuar la frase musical”
Nació en Montevideo, el 6 de enero de 1913. Estudió arquitectura, se recibió y ejerció la profesión al margen de su actividad como guitarrista, instrumento cuya ejecución aprendió con el maestro Luis Vittone. Entre sus mejores interpretaciones merecen citarse: “El motivo”, “La última curda”, “Che, bandoneón”, “Mi refugio”, “Loca bohemia” y otros de corte “romanza”.

CENTENO, DIEGO
Su carrera estuvo íntimamente ligada a Agustín Magaldi, compuso un gran tango “Moneda falsa” y la marcha “Fragata Sarmiento”, un éxito con letra de Felipe Mitre Navas.
Diego Centeno dejó este mundo el 14 de enero 1959.

CHEMES, PEDRO
Es uno de los más jóvenes guitarristas decidido a redescubrir las raíces del tango, sin perder la frescura primitiva y la de su propia juventud.
El primer cuarteto, en 1983 lo crearon el mismo Pedro Chemes con el guitarrista Eduardo Guimbernat, orientados por el concertista Aníbal Arias.
Con un “look” actual dirige con solvencia el “Cuarteto de la Ochava”, integrado con los juveniles Sergio Crotti, segunda guitarra; Elizabeth Magazián, en flauta; y Mariana Gaitán, en violín.
Desde 1987, sobre la base de sus estudios con Arias y luego con Graciela Tarquini, logra que los mayores y los jóvenes acepten “la guardia vieja con ropaje perenne”.

CORREA, HUMBERTO
Popular figura entre los milongueros montevideanos de la década del veinte, este guitarris-ta, cantor, payador y compositor, que usaba como seudónimo Iván Once, integró un dúo con Américo Chirif. Realizó intensas campañas por el interior del Uruguay y en los carnavales montevideanos.
El tango “Mi vieja viola”, con letra de su amigo Frías fue grabado por los mejores cantores y conjuntos, como Ángel Vargas con su orquesta (1950) José Basso con Oscar Ferrari (1950) Aníbal Troilo con Jorge Casal (1951), Alberto Marino con su orquesta (1952), Mercedes Simone con orq. Emilio Brameri (1952 y 1966), Aníbal Troilo con Tito Reyes (1964), Edmundo Rivero con guitarras (1967), Néstor Prado con orq. Raúl Plate (1971), Sexteto Tango con Raúl Funes (1976), María Garay (1977), Alfredo Zitarrosa (1981), Claudio Bergé con orq. Buenos Aires Cinco (1983), Eduardo Espinoza con orq. Raúl Garello (1994), Adriana Varela (1996), Lágrima Ríos (1996), Enrique Llopis con Juanjo Domínguez (1998), Carlos Cristal con Trío O. Berlingieri (1998), Tuco Paz con Alfredo Sadi (2002). Correa era un guitarrista “orejero”, no sabía música. Por ese motivo algunos colegas dicen que el tango fue registrado gracias a los oficios de Salvador Frías, quien habría escrito sus notas en un pentagrama y, por tal mérito, inscribió su nombre. Pero ocurre que en las partituras, Frías a secas, aparece de coautor de la letra. Como si esto fuera poco, en algunos cancioneros se menciona a los hermanos Frías. En SADAIC figuran Humberto Correa, como compositor y autor, y Osvaldo Daniel Falero Frías, como coautor de la letra. Humberto Correa dejó de existir el 9 de junio de 1964 en Montevideo.

DAVIS, HECTOR
Héctor Conrado Olano Davis, nació en Buenos Aires, el 17 de agosto de 1927.
Cursó estudios de guitarras con el profesor Nicodemo Cascuselli, alcanzando el título de profesor superior del instrumento.
Su debut como profesional se produjo en 1943, como acompañante de Héctor Mauré, en la desaparecida sala “El Tronio”, en la calle Corrientes.
En el ´46 ingresó en radio “Belgrano” cono ejecutante del elenco estable; en dicha emisora actuó durante casi veinte años, acompañando, entre otros, a Oscar Alonso, Hugo del Carril, Raúl Berón, Jorge Casal, Floreal Ruiz, Enrique Dumas y a los intérpretes internacionales José Mojica, Imperio Argentina y Carlo Butti.
Davis colaboró en el acompañamiento de Tita Merello para la grabación de discos e intervino en las bandas sonoras de las películas: “Vidalita”, “El hijo de la calle”, “Armiño negro” y “Trompada 45″. Desde el 1 de marzo de 1968 pasó a integrar el trío que acompañó a Edmundo Rivero y que se completaba con Morán y Del Pino.

DE LÍO, GABRIEL HORACIO
El 10 de noviembre de 1955 fue un día especialmente feliz para Ubaldo De Lío, ya que nacía su hijo en la ciudad de Buenos Aires. Gabriel Horacio fue creciendo, su padre tuvo nuevos motivos de alegría al ver que el pibe se inclinaba hacia la música.
Como no podía ser menos, Ubaldo lo puso en manos, nada menos que de Horacio Salgán, para que le diera lecciones de piano y armonía.
Pero la alegría de Ubaldo duró poco porque el hijo guitarrista… ¡le salió rockero!.
Pero de a poco el retoño fue pegando el viraje hacia el tango y quedó ligado totalmente al tango.
Grabó discos con su padre y actuó en varios bastiones tangueros como “El viejo almacén” y “La casa de Carlos Gardel”.
Luego cambió la guitarra por el bajo eléctrico, lo que no le impidió integrar la “Embajada de Tango a Turquía”, en Estambul, junto a Miguel Ángel Cosentino, Gustavo Noceti, Horacio Ferrer, Alberto Giaimo, Raúl Garello, Hermes Peresini y José M. Lavandera.

DE LÍO, UBALDO
Con guitarra española o guitarra eléctrica, ha cumplido una larga y exitosa actuación abarcando distintos géneros y especialmente, el tango.
Uvaldo Aquiles De lío, tal su nombre completo con “v” corta, nació el 11 de marzo de 1923 y una vez cumplidos sus estudios musicales ingresó en una emisora para integrar el conjunto destinado al acompañamiento de cantantes.
A mediados de la década de cincuenta, al disolver momentáneamente su orquesta el maestro Horacio Salgán, De Lío se unió a él, conformando un dúo de piano y guitarra que actuó
con éxito en clubes nocturnos, radio y televisión, registrando también varios temas musicales en el sello Pillips.
En 1958, cuando actuaban en el restaurante del Automóvil Club Argentino, se les unió Enrique Mario Francini, en violín; Pedro Láurenz en bandoneón y el contrabajo de Rafael Ferro. Así quedó constituido el “Quinteto Real”, con el cual De lío viajó varias veces a Japón.
Cuando Salgan reorganizó la orquesta, De Lío formó parte de ella. Ya disuelto en “Quinteto Real” acompañó en varias oportunidades a Ciriaco Ortiz,
En 1959 integró en cuarteto de Aníbal Troilo, junto al contrabajo de Rafael Del Bagno y el piano de José Colángelo. Este cuarteto se presentó en el teatro “Dante” en el barrio de La Boca, con el espectáculo “Troilo 69″ y llegó al disco.
Ubaldo De lío se vinculó otra vez a Salgán, siguió presentándose con el “legendario” dúo “Salgán-De Lío”.

DEL PINO, RAFAEL
Rafael Serfaty es un verdadero nombre, nació en Formosa el 18 de septiembre de 1933. Dio los primeros pasos con el maestro Oscar Vasalini, con quine hizo su debut profesional en 1948, en las famosas veladas del “Palermo Palace” de Buenos Aires.
Luego colaboró en el acompañamiento de cantores; Francisco Fiorentino, Roberto “Chato” Flores, Jorge Vidal, Alberto Marino y otros. También se dedicó al folclore, actuando con julio Navarro y con “Los Trovadores de Cuyo”.
Desde 1953, compartió tareas con Juan Carlos Gorrías y Leandro Norán, acompañando a gran número de importantes intérpretes de la canción
En plena labor artística, completó sus estudios con el profesor Osvaldo Nora y acompañó al bandoneón de Ciriaco Ortiz, para culminar su carrera de fino y sensible ejecutante, como primera guitarra de Edmundo Rivero.
Con el recordado cantor, participó en giras por ciudades del Pacífico, Los Angeles y otros lugares del mundo donde nuestro tango es siempre bien recibido.

DOMÍNGUEZ, JUANJO
Tenía solo cinco años de edad cuando, escuchando a su padre queriendo sacar un tema con la guitarra, los padres de Juanjo se llevaron la gran sorpresa: Su pequeño hijo tomó el instrumento y lo ejecutó a la perfección. No había dudas, este don que había nacido con él, debía ser pulido. Y así fue. A los doce años ya era profesor de Teoría y solfeo.
Nació a los veintitrés días del mes de octubre del año 1951, en Junín, provincia de Buenos Aires.
Comenzó su carrera profesional a los ocho años de edad, participando en un teleteatro de Canal 7, alternando con otros programas de la época como el de Tato Cifuentes (Tatín) y el de Jaime Dávalos (1961).
Posteriormente colaboró con su hermano en el acompañamiento de Rodolfo Lesica, Alberto Echagüe, Alberto Podestá, Alberto Morán y otros.
Su primera grabación la realizó cuanto contaba tan sólo catorce años, interpretando música foránea.
Recién en 1982 vuelve al tango, esta vez secundado a Hugo Marcel, Néstor Fabián, Rubén Juárez, Virginia Luque, por el exterior, alternando actuaciones como solista en Nueva York, Boston, California y Miami.
Uno de los trabajos más importantes es el realizado como acompañante de Carlos Acuña, donde mediante un doblaje el cantor parece secundado por varias guitarras.
Participó en el programa “La oreja” que emitía Radio Rivadavia y “El gran debut” programa que emitía A.T.C..

DOMÍNGUEZ, RICARDO
Siguiendo la ruta de “Troilo-Grela” o “Federico-Grela” a partir de 1970 han surgido combinaciones iguales como las que formaron “Arias-Nicosia”, “Arias-Montes”, “Binelli-Romero” ó “Varvello-Labanca”. Uno de los interesantes dúos es el que armaron Ricardo Domínguez, en guitarra y Walter Ríos en bandoneón. Con equilibrado “tempo” tanguero en la marcación, los cantos de cada instrumento y los juegos armónicos de modernas concepciones. Ricardo Domínguez aporta un sonido amplio, denso y cálido desde el instrumento que en su “oficio” de luthier construyó logrando una caja de sonoridad muy personal, que se percibe muy bien en el LP del dúo.
Requerido por diversos directores actuó en espectáculos y televisión con El Septimnio de Walter Ríos y las agrupaciones de Osvaldo Requena, además de ser dúctil acompañante de voces como las de Raúl Lavié y María José Mentana.

DUCLÓS, RODOLFO
Se inició en el tango junto a un terceto en el que actuaban Francisco Canaro y Martín Arrivillaga. Luego cambió la guitarra por el contrabajo, participó en las orquestas de Miguel Caló y Juan D´Arienzo.
Rodolfo falleció el 13 de abril de 1942.

FERREIRO FREIRE, CARLOS
El 1º de noviembre de 1928, nació en el montevideano barrio de “La Aguada”.
Desde 1940 estudió guitarra con Ramón Ayestarán, perfeccionándose luego con Abel Carlevaro y con Atilio Rapá.
No conforme aún, estudió armonía, contrapunto y composición con Tomás Mujica y con Héctor Tosar.
A partir de 1945, ofreció conciertos en Montevideo, en Buenos Aires y en San Pablo.
En la década del cincuenta participó de muchas iniciativas del tango evolucionado. Integró el trío de Oldimar Cáceres con el contrabajo de Pedro Terrón y el “Octeto Montevideo”.
En 1965 formó un terceto con el bandoneón de Armando Blasco y el contrabajo de Néstor Casco.

GONZÁLEZ, RICARDO
Lo llamaban “Mochila”. Fue guitarrista, bandoneonista y compositor. Nació en 1885, el 20 de noviembre en el barrio San Cristóbal. Su larga carrera abarcó distintas épocas y diferentes sensibilidades del tango. Lo mismo que Arolas, Tanga, Giliberti, Spósito, Bianco y los Pizarro, intentó la aventura europea con variada suerte. En sus comienzos fue guitarrista, tocando en la agrupación de Eduardo Arolas hasta que en 1910, gracias a que conoció a Vicente Greco, se hizo bandoneonista.
Ricardo González compuso, entre otros, los tangos: “El fulero”, “La rosarina”, “Juanita”, “Se acabó la yeta”, “Punto alto” y “La cascada”.
Ricardo “Mochila” González falleció el 30 de septiembre de 1962.

GORRIÁS, JUAN CARLOS
Debe ser uno de los guitarristas que más ha actuado en Televisión, acompañando a figuras populares. Nació en Buenos Aires el 5 de agosto de 1924. Además de ser un excelente intérprete, se destaca en la nada fácil tarea de arreglador, para brindar más calidad en el apoyo de las violas como acompañamiento.
Rogelio Araya, Jorge Vidal, Edmundo Rivero, Nelly Omar, Gloria Díaz fueron algunos de los artistas que más requirieron su colaboración.
Durante mucho tiempo fue, además, músico estable en las radios “Del Pueblo” y “Belgrano”.

GRANATA, SALVADOR
Dirigiendo con su guitarra una trouppe llamada “Un real 69″ revolucionó el estilo de celebrar el carnaval.
Esta popular figura de los carnavales montevideanos, nació en esta ciudad, en la zona denominada “Ciudad Vieja”. Fue un artista intuitivo, pues jamás estudió música, a pesar de esto, compuso una gran cantidad de tangos, dirigió su propia compañía de sainetes musicales, condujo su propia orquesta y escribió más de una pieza teatral.
Los tangos “Pancho Talero”, “Un real al 69″, “Pobre mascarita”, “Borrón de nieblas” y “El milonguero” fueron de su autoría.

GRECO, DOMINGO
Perteneció a una familia de grandes artistas compuesta por sus hermanos Vicente y Ángel. Igual que ellos nació en la parroquia de la Concepción y pasó su infancia y adolescencia en San Cristóbal. Se inició como guitarrista, formando parte de los conjuntos dirigidos por su hermanos Vicente, con quien actuó ininterrumpidamente. Tanto Domingo como Vicente fueron los dúos de bandoneones y guitarra. Igualmente, como sucedió con otros guitarristas, al ingresar el piano como base rítmica siguió como pianista de la orquesta.
Falleció en Buenos Aires el 3 de septiembre de 1938. Dejó varios tangos de su autoría como, “Qué muñeca”, “El bulín de la alegría”, A mi ñata”, “La tanita”, “Qué querés” y otros.

GRELA, ROBERTO (Artículo en página especial)

HERRERA, FELICIANO
“Vizcacha” actuó en los mejores conjuntos de la época. Los de Francisco Canaro, Augusto Berto, Vicent  e Greco y Juan Maglio fueron los grupos con los que realizó giras al interior del país, mientras los músicos de la Capital solían actuar en los prostíbulos y casa de baile de las provincias.

IRIARTE, RAFAEL
Este virtuoso de la guitarra se llamaba en realidad Rafael Yorio y se lo conoció como “El Rata”. Nació en Buenos Aires el 10 de mayo de 1890, pero en 1901, luego del fallecimiento de su padre, fue enviado a San Luis, donde trabajó como empleado de una proveeduría. Mientras se ganaba la vida haciendo mandados o llevando mercadería, aprovechaba los ratos libres para aprender las primeras nociones de guitarra. Cuando regreso a Buenos Aires en 1907, se dedicó de lleno al tango. Su debut se produjo en un almacén ubicado en la esquina de San Juan y Mármol, entre los barrios de Almagro y Balvanera, junto a las fueyes de Migues y Solari. Luego con Ricardo Luis Brignolo en bandoneón, pasó al café de Rincón y Garay. Tuvo un breve paso por el conjunto de Eduardo Arolas.
En 1917 formó un conjunto propio para animar los carnavales en el viejo Luna Park: los fueyes a cargo de Anselmo Aieta y José Servidio; los violines de Fernando Franco y Vicente Sassano y el contrabajo de Luis Bernstein. Luego integró un conjunto con José Servidio y Domingo Salerno. Viajó a España como acompañante de la cancionista Linda Telma. A su retorno continuó su carrera como guitarrista, de seis o de once cuerdas y como pianista. Fueron muchos los cantantes que recurrieron a él como director de sus acompañamientos en teatros, radios y discos. Recordemos a Charlo, Corsini, Magaldi, Ada Falcón, Saúl Salinas, Libertad Lamarque, el dúo Rosita Quiroga-Rosita del Carril y muchos más, incluyéndolo a Carlos Gardel. También integró en tríos de guitarras con Pagés y Pesoa. para realizar giras por el país y el extranjero, grabando impecablemente el tango de Agustín Bardi “El cuatrero·. Estuvo en los sobresalientes niveles de los mejores guitarristas de ese tiempo. Fue un muy buen compositor, con títulos como “Comparsa criolla”, “De puro guapo” (distinto del de Láurenz), “La reina del tango”, “Justicia criolla”, “Trago amargo”, “Muchachita buena”, “El tatuaje” y “Ojos muertos”.
Dejó de existir el 8 de octubre de 1961.

LAINE, DOMINGO
El que iba a ser uno de los guitarristas de actuación más prolongada en nuestro medio, nació el 24 de agosto de 1925 en la zona de Sarandí, partido de Avellaneda, en la provincia de Buenos Aires. Desde los veintiún años y hasta 1954, Laine acompañó en distintas oportunidades a Nelly Omar, José María de los Hoyos, Antonio Tormo, Margarita Palacios, Dardo Félix Palorma, Félix Pérez Cardozo, Roberto Goyeneche, Héctor Mauré, Enrique Espinosa, Oscar Valles, Ángel Cárdenas, Mercedes Sosa, Néstor Soler, “Los Visconti”, Rosamel Araya, Rubén Juárez, Hugo del Carril, Virginia Luque, Tito Reyes, Eladia Blázquez, Gloria Díaz y mucho más.
En 1953 integró el cuarteto de Roberto Grela, junto a Ernesto Baez, Héctor Ayala y Eugenio Pro. Paralelamente, fue guitarrista estable de radio “El Mundo”, plaza que también ocupó en radio “Splendid”, entre 1964 y 1967.
Domingo Laine aparece casi permanentemente por televisión, así, se lo ha visto en “Siete notas para el tango”, “Pueblo”, “Amistango”, “Séptimo piso” y en “El Patio de la Morocha”, en canal 7.
En el canal 9 , intervino en “Malevo”, “Nostalgia del tiempo lindo”, “El conventillo de la Paloma” y en “Grandes valores del tango”.
También en canal 11 participó en “El tango del millón”, “Yo te canto Buenos Aires” y “Tango y goles”.
En el canal 13 se lo vio en “Asado con cuentos” de Juan Carlos Mesa. Actualmente integra el conjunto de guitarras que dan marco a las actuaciones de Nelly Omar.

LÓPEZ RUIZ, OSCAR
Se lo puede incluir entre los mejores intérpretes de la generación de 1955. Como la mayoría de los ejecutantes de guitarra de esa época llegó del jazz al tango, atraído por la música vanguardista de Astor Piazzolla.
Su absoluta identificación con la misma, lo convirtió en uno de sus mejores intérpretes.
Oscar nació en La Plata, el 21 de marzo de 1928. Empezó con el piano, pero a partir de 1951, se decidió definitivamente por la guitarra. Estudio con los profesores Sinópoli, Gazcón y Marcelino.
Debutó profesionalmente en 1954, pulsando la guitarra americana en la orquesta “Tony-Armand” de Antonio y Armando Caló.
Luego integró el conjunto de Lalo Schifrin, y a fines de la década de cincuenta realizó una gira por Europa. Al regresar, Astor Piazzolla lo incluyó como solista en su cuarteto, con el que grabó varios temas y realizó giras por el mundo.
Al tiempo que actuaba, cursaba armonía con los maestros Kröefter, Fuchs y Mora.
Se dedicó también a la composición de bandas sonoras para los filmes: “Primero yo”, de Fernando Ayala; “Pajarito Gómez”, de Rodolfo Kuhn; “La niña de las luces”, de Leopoldo Torres Nilson, entre otros.
El “flaco” López Ruiz también creó la música para obras teatrales como “El niño envuelto”, representada en el Instituto Di Tella y “Libertad, Libertad, Libertad”, representada en el Teatro Ateneo.

AGUILAR, JOSÉ MARÍA
Contribuyó a la jerarquización de la guitarra, junto con Oscar Alemán, Rafael “Rata” Iriarte, Manuel Parada, Domingo Greco, Rosendo Pesoa y

LAS GUITARRAS DE GARDEL

otros tantos, alcanzado al registrar discos como solista para “R.C.A: Víctor”.
Este uruguayo nacido en Montevideo el 7 de mayo de 1891, comenzó como intérprete en 1923, formó dúo con Enrique Maciel, acompañó al dúo Feria-Italo, a la cancionista Rosita Quiroga y al cantor Ignacio Corsini.
En junio de 1928 se unió – a pedido de Carlos Gardel – a José Ricardo y Guillermo Desiderio Barbieri, al conjunto que acompañaba al Zorzal. Luego de su incorporación se empieza a destacar en las grabaciones, su fuerte punteo. En 1927 viaja con Gardel a Nueva York y lo acompaña en la gira por Centro y Sudamérica.
Aguilar fue un gran compositor. Gracias a su particular inspiración, hoy podemos disfrutar los tangos “Al mundo le falta un tornillo” (con letra de Enrique Domingo Cadícamo), “Tengo miedo”, “Lloró como una mujer” y “Cuando me entrés a fallar” (con letras de Esteban Celedonio Flores) y “Milonguera” que le pertenece en letra y música.
José María Aguilar, sobreviviente del accidente de Medellín, falleció ciego en 1953, ya alejado de la actividad.

BARBIERI, GUILLERMO DESIDERIO
Este notable guitarrista y compositor, perteneciente a una generación en la que para sobresalir había que destacarse entre los grandes ejecutantes del instrumento, nació en el barrio de Balvanera, el 25 de septiembre de 1894. Sus primeras actuaciones en público, como la mayoría de los guitarreros de su tiempo, fueron en bailes de patio y reuniones danzantes. Más tarde se presentó en salones de baile formando dúos con los bandoneonistas Eduardo Arolas, Arturo La Vieja, Vicente Loduca y Julio Vivas. También trabajó junto al cantor Luciano Cardelli, en el teatro “Esmeralda”, actual “Teatro Maipo”.
En el año 1921 esta misma sala fue la que lo vio debutar junto al dúo Gardel-Razzano, a quienes se había unido en agosto de ese mismo año. Junto con José Ricardo acompañó a Carlos Gardel a dos guitarras hasta la incorporación de José María Aguilar. Barbieri se desempeñó, también, como apuntador en las actuaciones del Zorzal.
Guitarrista, apuntador y también compositor, Guillermo Desiderio Barbieri fue el “padre” de “Mar bravío”, “Pordioseros”, “Cruz de palo”, “Quién tuviera 18 años”, “Cariñito”, “Preparate p´al domingo” y “Viejo curda” entre otros tantos que aún se siguen interpretando.
Barberi murió junto a Carlos Gardel en el accidente de Medellín.

PETTOROSI, HORACIO, “El Marqués”
Gran compositor, creador de varios éxitos como “Fea”, “Galleguita”, “Torcacita”, “Silencio”, “Esclavas blancas”, “Angustia”, “Acquaforte”, y muchos otros.
Nació el 21 de octubre de 1896 en Buenos Aires. Desde los cinco años data su relación con la guitarra, a la que se consagrará definitivamente. Tomó lecciones con el maestro Pessapia. Debutó acompañando al cantante Francisco Martino.
En el año 1916 trabajó en la compañía Muiño-Alippi en el teatro “San Martín”; luego dirigió dos conjuntos de arte nativo: “Los de la leyenda” y “Los de la raza”. Condujo su propia orquesta con la que se fue de gira por Europa; más tarde tocó con Eduardo Bianco y finalmente se incorporó al acompañamiento de Carlos Gardel.
Con el Zorzal viajó a los Estados Unidos y grabó varios discos. Luego de desvincularse del “mudo” regresó a Buenos Aires donde presentó su propia orquesta por radio “Prieto”, y grabó con ella para el sello “Odeón” en 1936.
Pettorosi también compuso, entre otros, “Ansias”, “Picos de oro”, “Olvido”, “La mujer olvidada”, “Mi primer gol”, “Noches de Atenas”, etc.
Horacio Pettorosi murió el 25 de diciembre de 1960.

RICARDO, JOSÉ
Los comienzos del “Negro” Ricardo fueron en las agrupaciones criollas y tradicionalistas. La compañía Muiño-Alippi estaba presentando “Juan Moreira” de Eduardo Gutiérrez, en el teatro “San Martín”; allí Ricardo debutó ante el gran público como integrantes d del conjunto de guitarras. Y allí fue descubierto por Gardel-Razzano y, más tarde se desempeñó como integrante del acompañamiento del dúo.
Fue el “Negro” también, el que tuvo el privilegio de acompañar a Gardel en “Mi noche triste”, el primer tango-canción.
Este gran guitarrista estuvo junto al dúo hasta su disolución y siguió junto a Gardel hasta 1928, acompañándolo también en su actuación en el cabaret “Florida” de París.
Más tarde regresó a Buenos Aires, acompañando, esta vez, a la cancionista Ana Palmero.
París lo había cautivado, puesto que regresó para formar un conjunto con Julio Reyes y “Bronce” (su hermano). Juntos realizaron una tourné por El Cairo, Londres y Roma.
José “El Negro” Ricardo falleció en 1937.

RIVEROL, DOMINGO
Debutó en el bar “Iglesias” integrando el trío de pibes con Carlos Marcucci, en bandoneón y Raimundo Orsi, en violín.
Más tarde formó un dúo vocal con Angel Greco.
En 1930 se hizo popular como integrante del grupo de acompañamientos de Carlos Gardel.
Falleció en Medellín, dos días después del fatal accidente, luego de seguir al “Morocho” por Estados Unidos, centro y sur de América.

VIVAS, JULIO DOMINGO
Nació en Buenos Aires, el 12 de mayo de 1895.
Debutó profesionalmente dirigiendo su propia orquesta en el café “Domínguez” de la calle Corrientes.
Luego ingresó a la agrupación de Alejandro Scarpino en el café “Manzanares”.
También tocó con Antonio Scatasso en el teatro “Apolo”. Entre 1926 y 1930 trabajó con De Caro en su fila de bandoneones. Fue Guillermo Barbieri quien lo convenció para que dejara el bandoneón y se incorporara como guitarrista al acompañamiento de Carlos Gardel.
Luego de desvincularse, diez meses más tarde, siguió desempeñándose como guitarrista acompañando a grandes cantantes.
“El olivo”, “Mi rodar”, “Ciudad querida”, “Enamorado”, “Flor extraña”, “Gemidos”, “Racha fulera” y “Quejas del alma”, entre tantos otros, fueron creaciones de Julio Domingo Vivas, quien nos abandonó el 15 de junio de 1952.

JUEGOS DE OTRA INFANCIA

Yo soy aquél que al rango no erraba culadera
que hizo formidables proezas de billarda,
rompedor de faroles con mi vieja gomera,
tuve dos enemigos: los botones  y el guarda.

Y los bolsillos de bochones y miga,
llené toda la calle de repes y de chante.
¡Mi bolita lechera!…¿Dónde andarás amiga?
¡Y aquella mil colores, cachusa y atorrante!

Se fueron con el viejo pepino corralero,
el terror de los trompos, mi troyero baqueano
Partía las cascarrias con su púa de acero
y a las chicas del barrio les zumbaba en la mano.

Se fueron con los cinco carozos de damasco
de mi ainenti querido…¡Payanita primera!
Si te habremos jugado con el grone y el vasco
Y con Casimba, el hijo de la bicicletera.

Los juegos de la infancia lejana. ¡Qué tema!, Tantos baldíos que se tradujeron en picados cuadra contra cuadra. La del barrio Gardel, el cuadrazo de la canchita Achinelly, Marina, otro gran equipo del baby fútbol, nuestro equipo La Patria, de por aquí, donde el pueblo se caía en un pastizal extenso que nos alejaba mucho más de la gran ciudad, Bahía Blanca.
Esos baldíos calcinados de sol y rugosos de salitre, cruel enemigo de rodillas y codos, pantorrillas con hematomas o como consecuencia de esas lesiones algún entrevero pugilístico, con una nariz sangrante o un ojo amoratado.
La pelota era un recuerdo de algunas medias que se habían quedado sin par, que rellenas de trapos y papel procuraba ser lo más redonda y manejable posible. ¿Los arcos? Eran dos piedras, tal vez dos tachitos de “arverjas”, cuando no directamente dos carteras de la escuela con sus guardapolvos arriba, hechos un bollo.
La duración, se convenía “el que llega a diez, gana, y la revancha a cinco”, se proponía. Pero cuando se manifestaba el tumulto por una patada que dolía, trompadas que amagan y pegaban, dos bandos no a separar si no a alentar a uno o a al otro, el picado quedaba inconcluso y terminada la escaramuza, nos guardábamos del sol, a la sombra de algún tamarisco para toser el primer cigarrillo, mientras se hacía el inventario de lesiones: la “chocolata” nasal por algún codazo o una piña y las rodillas y codos renovando eternamente las cascaritas del partido anterior con alguna nueva lesión sangrante. Y palpitando el sermón de la vuelta a casa, por el desorden de la ropa, quizá algún bolsillo descosido o los zapatos que, habiendo salido temprano impecables, tenían cubierto el brillo de la lustrada con el barro del baldío.

Pero veamos que nos cuenta Ricardo Horvath :
“¡Figurita Cola!” se acuerda del grito de guerra, de ese desafío a los otros pibes del barrio? Y también “¡Bolita, cola!”. Era la fórmula para iniciar una partida, ya fuera de figuritas (en sus variantes “punto y revoleada”, “espejito” o “tapadita”) o a las bolitas (igualmente disímiles estructuras lúdicas) Esto ocurría entre los varones, porque en otro sector de la vereda las niñas cantaban aquello de ”La farolera tropezó/ en la calle se calló/ al pasar por un cuartel/ se enamoró de un coronel…” tema impensable hoy día.
Juegos de otros tiempos que la vida moderna ha hecho perder vigencia, que llaman a la nostalgia: ¿Se acuerda de la Gallina ciega, del Martín Pescador, me dejará pasar, el Gran Bonete (ése al cual se le perdió un pajarito), el Mantantirutirulá? Estaban además el rango y mida, la rayuela, la payana, el yo-yo, el trompo y el balero reflotado en un momento por la tevé y sistemáticamente jugado por personas de la tercera edad. Nostalgias de otro tiempo que no fue necesariamente mejor, fue distinto, que es otra cosa…

Discurre luego, el autor, en las rondas, con Don Juan de las Casas Blancas, cuantos panes hay en el horno? y las consecuentes prendas para los aciertos, pero también para los yerros. Para detallar a continuación:

En los grandes patios de antaño, cubiertos con la sombra de parrales o higueras, las niñas jugaban a las muñecas, a la cunita de oro, a ¿Abuelita qué horas son? , a las esquinitas; mientras los varones ejercían su mayor independencia correteando tras una pelota en la calle. Los ya mayorcitos incursionaban en los primeros intentos sentimentales con el justificativo de jugar “al papá y a la mamá” y avanzando aún más en el erotismo con la “visita al médico” Inocencias superadas por los gestos obscenos (…) en la televisión de hoy.
En las tardes de verano era dable escuchar gritos de protesta cuando se jugaba a la mancha o las escondidas. Entretenimientos que se han ido perdiendo lentamente en el tiempo en la medida que la ciudad crecía hacia arriba y los techos se poblaban de antenas de televisión. Hoy la computadora juega partidos de fútbol cuyos protagonistas no son los propios chicos sino muñequitos torpes y el walkman ensordece mentes desde la más tierna infancia.

Horvath se pregunta si alguien jugará al ta-te-ti o al barco hundido, para indagar puntualmente:
“¿Alguien se atrevería a empujar un aro y manejarlo con un alambre a la carrera?” o a cantar aquello de “se me ha perdido una niña/ cataplín, cataplín, cataplero…” y completa con el “aserrín, aserrán, los maderos de San Juan…” Para concluir:
Se han ido para siempre como las fogatas de San Pedro y San Pablo que requerían por lo menos una semana de labor para conseguir leña y armar el muñeco que habría de quemarse.
¿Alguna vez volverá la billarda; juego simple y barato resuelto con una palo de escoba vieja? ¿Algún chico tendrá en sus bolsillos la tan preciada bolita lechera  o alguna cachusas por acción del tiempo o del impiadoso bochón de acero?

Enumera las bolitas, el trompo y el balero que casi sin solución no se recuerdan.
Y puntualiza: Juegos como la gata parida, que los muchachotes practicaban  para revalidar su fortaleza y que consistía en estrecharse unos a los otros para hacer saltar de la fila o rueda a algunos de ellos, o el hoyo-pelota y tantos otros producto de la imaginación popular, de la creación infantil, de la adaptación de otros juegos.
Según los sociólogos – esos traductores al difícil de las cosas fáciles y sencillas de la vida -  el juego no es exclusividad de la infancia y mucho menos supone una soledad sin compromiso
Si se coincide en reconocer que la mayoría de los juegos infantiles provienen de tiempos remotos, y que con ligeras variantes esos pasatiempos han ido trasladándose de generación en generación, es dable suponer que la aptitud lúdica permanece en el inconciente colectivo y como el folklore renace constantemente. Por eso, si se observa  con detenimiento se verá, en determinada época del año al borde de las rutas  de acceso a la ciudad de Buenos Aires, a numerosos vendedores de barriletes y a muchos padres intentando enseñarles a sus hijos a remontarlos.
Retornen o no los viejos juegos modernizados, la nostalgia, inherente también al ser humano, seguramente regresará siempre al evocarse tiempos en que los barriletes se construían amorosamente con cañas encontradas en algún baldío, con papel de seda y engrudo hecho con harina y agua…
Hoy la tecnología moderna se burlaría de quien intentara reeditar esas viejas aventuras, aunque el barrilete, que nos llegó hace siglos de Oriente, siga teniendo fieles adeptos entre los niños de todo el mundo.

AMOR QUE SE LLEVA EL RÍO

Mira si soy desprendío
que ayer, al pasar el puente,
tiré tu cariño al río.

Y tú bien sabes por qué
tiré tu cariño al río:
porque era hebilla de esparto
de un cinturón de cuchillos;
porque era anillo de barro
mal tasao y mal vendío,

y porque era flor sin alma
de un abril en compromiso,
que puso, en zarzas y espinas,
un fingimiento de lirios.

Tiré tu cariño al río,
porque era una planta amarga
dentro de mi huerto lírico.

Tiré tu cariño al agua,
porque era una mancha negra
sobre mi fachada blanca.

Tiré tu cariño al río
porque era mala cizaña
quitando savia a mi trigo;

y tiré todo tu amor,
porque era muerte en mi carne
y era agonía en mi voz.

Tú fuiste flor de verano,
sol de un beso, luz de un día;
yo te cuidaba en mi mano,
y en mi mano te acunaba,
y tu, por pagarme, herías
la mano que te cuidaba.

Pero al hacerlo, olvidabas
(tal vez por ingenuidad),
que te di mis sentimientos
no por tus merecimientos
sino por mi voluntad.

Yo no puse en compraventa
mi corazón encendío;
y has de tener muy en cuenta

que mi cariño no fue
ni comprao ni vendío,
sino que lo regalé.

Porque yo soy desprendío;
por eso te dí mi rosa
sin habérmela pedío.

Porque yo soy desprendío
y doy las cosas sin ver
si se las han merecío.

Por eso te di mi vela,
te di el vino de mi jarro,
las llaves de mi cancela
y el látigo de mi carro.

Ya ves si soy desprendío
que ayer, al pasar el puente,
tiré tu cariño al río.

ROBERTO RUFINO

El pibe probaba un tango
y el maestro director
lo abrazó: “Ponete largos
-le dijo-, sos mi cantor”

Creció andando escenarios
su voz temperamental,
con la tibieza del barrio
y con su entrega total.

En su alma de bohemio
el compositor cantor
fue su figura y su genio
dramatizando el dolor.

Arder en su propio leño
fue su destino de flor.

VERDAD Y MENTIRA

Con las mañas de un ladrón
con la avidez de un avaro,
que se moviera al amparo
de algún negro nubarrón,

escondo mi corazón
y silencio mis llamados,
como pirata impulsado
por la fiebre de su amor.

Todo es cierto en la mentira
que guarda la soledad,
sangrando están las heridas

en la fría oscuridad
y recordando se olvida
que esa mentira es verdad…